Apprentissage conceptuel

Fondamentaux sur la perception du monde visible et sa captation

• Champ électromagnétique, lumière et illuminant.

• Définition de la vue et de l’image : mécanismes de perception visuelle par l'œil, captation de l’image par la caméra, notions de dynamique et de sensibilité.

• Évolution des supports, de la pellicule argentique aux capteurs numériques.

Le cadre

• Notions fondamentales : cadre, champ, contrechamp, hors-champ, perspective, profondeur de champ, règles des 180° et 30°.

• Composition : échelles de plans, angles de prise de vue, mouvements, règle des tiers, symétrie, lignes de fuite.

• Plan et séquence : notions de plan, premier plan, arrière-plan, séquence, plan-séquence, raccord, et leurs usages narratifs et esthétiques.

• Espaces filmiques : notions d’espace filmique, profilmique, diégétique, et extra-diégétique.

La lumière et la couleur

• Caractéristiques de la lumière : naturelle, artificielle, directe, indirecte, diffuse, intérieure, extérieure, gamma, luminosité, exposition, contraste, contre-jour.

• Paramètres de couleur : température de couleur, saturation, vibrance, ton, synthèses additive et soustractive.

• Théorie des couleurs : couleurs primaires, secondaires, harmonie, oppositions et symbolique.

Caractéristiques de la caméra

• Composition : objectifs (focale, téléobjectif, grand angle), obturateur, diaphragme, stabilisateur.

• Caractéristiques principales : taille et format des capteurs, définition vs. résolution, cadence/débit.

• Concepts clés : piqué, flou de bougé, flou de mouvement, bruit.

Fonctions et gestion de la lumière avec la caméra

• Triangle d’exposition : ouverture, vitesse, ISO.

• Outils : choix et utilisation des filtres ND, polarisants, et gélatines.

• Fonctions principales : zoom, macro, mise au point, autofocus, balance des blancs.

• Accessoires : trépieds, stabilisateurs et autres équipements spécifiques.

Analyse de l’image dans les courants cinématographiques majeurs

• Au temps du muet : impressionnisme français, expressionnisme allemand, avant-garde soviétique, cinéma burlesque et transition esthétique vers le parlant.

• Du parlant à la fin du XXe siècle : réalisme poétique, néoréalisme italien, cinéma moderne (nouvelle vague française, cinéma indépendant américain).

• Repères techniques : évolution des techniques de prise de vue à travers l’histoire.

La narration par l’image

• Analyse visuelle : choix esthétiques selon les genres, le scénario, la diégèse, le contexte, et l’intention narrative.

• Symboles et motifs : compréhension et utilisation pour renforcer le sous-texte et l’émotion.

• Transitions et continuité : exploration des outils visuels pour assurer une fluidité narrative.

Développer un sens du cadrage

• Pratique et créativité : recherche d’atmosphères visuelles sous diverses conditions (jour, nuit, intérieur, extérieur).

• Techniques d’éclairage : ajustement en fonction des contraintes et des choix narratifs.

• Équilibre visuel : maîtrise des effets d’ombre et de lumière.

Introduction au traitement de l’image

• Formats vidéo : définition, rapport d’aspect, type de diffusion.

• Formats de fichiers : codecs, container, transcodage, types de compression et RAW

• Caractéristiques de base : espace colorimétrique, codages RVB, CMJN et YUV, profondeur de la couleur, plage de dynamique.

• Principes de la correction colorimétrique et de l’étalonnage.

• Considérations modernes : HDR, LUTs et correspondance des couleurs.

Durée : 70 heures, équivalent à 10 jours.

Atelier de prise de vue et traitement de l’image

Les apprenants mettent en pratique les concepts étudiés dans la première partie à travers des exercices de prise de vue et de colorisation sur Davinci Resolve ou équivalent, en intégrant une approche narrative et esthétique pour donner du sens à l'image.

Prise de vue et narration par l’image (28h – 4 jours)

• Exercices de réglages de la caméra : triangle d’exposition, balance des blancs, mise au point, et utilisation d’outils tels que stabilisateurs et filtres ND.

• Captation en conditions variées : intérieur, extérieur, contre-jour et faible luminosité.

• Composition narrative : exploration des échelles de plans, lignes de fuite, perspective et profondeur de champ en fonction d’intentions narratives ou symboliques spécifiques.

• Techniques d’éclairage : ajustement de la lumière pour des styles visuels spécifiques (noir et blanc, haute saturation, faible contraste).

• Reproduction d’ambiances visuelles (dramatique, chaleureux, froid, mystérieux) en fonction du genre de film, de sa déigèse ou du scénario.

• Reproduction de styles inspirés de l’expressionnisme allemand et au réalisme poétique.

• Suite des exercices sur les styles, avec une inspiration du néoréalisme italien et de la nouvelle vague française.

• Expérimentations stylistiques : tournage de plans basés sur des styles avant-gardistes et modernes, intégrant un sous-texte visuel et un sens narratif.

• Direction de la lumière : modelage des personnages et objets dans le cadre, gestion des ombres et des contrastes.

Traitement de l’image et colorisation (42h – 6 jours)

• Introduction au workflow de postproduction : organisation des fichiers, gestion des formats et transcodage des rushes captés.

• Correction colorimétrique de base : ajustements d’exposition, contraste, saturation, et équilibrage initial.

• Prise en main de Davinci Resolve : exploration de l’interface et des outils de base.

• Application pratique des corrections sur des plans simples captés durant les exercices narratifs.

• Colorisation narrative : utilisation des LUT et construction de palettes colorimétriques en fonction des intentions narratives préalablement explorées (ambiances dramatiques, mystérieuses, chaleureuses).

• Reproduction des atmosphères visuelles de genres cinématographiques spécifiques (film noir, science-fiction, comédie dramatique).

• Continuité chromatique : assurer une cohérence visuelle entre les plans en reproduisant les styles narratifs étudiés (genre, ambiance, scénarios).

• Reproduction des styles visuels des courants étudiés : expressionnisme allemand et réalisme poétique.

• Symbolique, sous-texte.

• Reproduction de styles inspirés du néoréalisme italien et du cinéma morderne.

• Affinage des projets narratifs : ajustements finaux de la colorimétrie pour enrichir les ambiances visuelles et leur cohérence narrative.

• Finalisation : harmonisation globale entre les plans, correction des incohérences, et ajout d’effets visuels ou colorimétriques pour sublimer les intentions narratives.

• Exportation : préparation des projets pour divers supports (cinéma, télévision, plateformes numériques), consolidation des fichiers, et livraison avec un rendu professionnel.

• Visionnage collectif : présentation des séquences réalisées en atelier et bilan.

Durée : 70 heures, équivalent à 10 jours.

Présentation, évaluation et bilan

• Visionnage collectif : présentation des séquences réalisées en atelier.

• Retours constructifs, analyse critique, échanges sur les choix artistiques et techniques et synthèse des compétences acquises.

Résultats attendus

A la fin de la formation, il est attendu que le stagiaire :

• connaisse et maîtrise les procédés et enjeux narratifs, dramaturgiques et symboliques du montage audiovisuel, ainsi que les styles et techniques propres à différents genres et époques,

• comprenne l'impact narratif des choix de montage,

• sache structurer et rythmer un projet audiovisuel,

• ambitionne d’innover dans la narration visuelle en expérimentant de nouveaux styles et approches au montage,

• soit en mesure de collaborer avec d’autres professionnels, notamment les réalisateurs et les équipes son et image, en utilisant un langage technique et artistique commun,

• maîtrise les outils techniques et créatifs du montage sur Adobe Premiere,

• soit capable de monter une séquence cohérente en maîtrisant le rythme, les raccords, les ellipses, sa temporalité globale,

• sache intégrer harmonieusement les images, les sons et les effets visuels pour sublimer la narration et offrir une expérience engageante au spectateur.