Apprentissage conceptuel

Dans cette partie, le participant apprend les méthodes et ressorts narratifs et dramaturgiques de la musique de film. La formation s’appuie sur un nombre significatif de films et de musiques dont les procédés façonnent l’histoire du cinéma.

Le Silence

• Les fondamentaux sur le silence

• Le silence comme musique de soutien, hors temps, rupture de registre et conscience extrafilmique

Le Bruit

• Le bruit et les fondements théoriques de la musique tonale

• Distinction et polymorphisme du bruit et de la musique

• Les potentialités dramaturgiques du bruit comme musique de film

• L’usage des sonorités naturelles comme outils dramaturgiques

Concordance entre musique et images

• Origines d’un mythe, concept

• Recherche de concordance de la musique avec la diégèse et les personnages

• Concevoir une musique complémentaire aux images

Musique empathique, musique anempathique

• Conceptualiser une musique empathique ou anempathique

• Les motifs mélodiques élémentaires dans un film

Musique originale et musique préexistante

• La musique formatée pour l’image : rôle, histoire, nécessité

• Similitudes d’usage entre musique originale et musique préexistante

• Les facultés de la musique, ce qu’elle peut dire et ne pas dire

• Des fondements musicaux dans la voix et son expression

Trouver l’originalité et se distinguer

• L’enjeu de la mémoire dans la musique

• L’application de la musique dans les processus de production

• De l’originalité dans l’usage de la musique préexistante

• Les figures musicales ostinato dans un film

Musique fonctionnelle et musique indépendante

• Musique et espace-temps

• L’improvisation musicale au cinéma

• L’enjeu de la musique comme souvenir du film

• Pratique simultanée de la musique et du montage

Le lien entre musique et images

• La collaboration entre réalisateur et compositeur

• Exprimer un mariage entre musique et images

• Liaison innée de l’audio et du visuel

Le rapport aux sens

• Distinction et assimilation des sens : la musique par l’image

• Tentatives de substitution et de transcendance des sens

• L’exemple de la représentation des odeurs au cinéma, la musique comme modèle du cinéma olfactif, usage de la musique comme substitut des odeurs

Durée : 70 heures, équivalent à 10 jours.

Atelier de composition de musique à l’image avec Cubase

Le stagiaire applique les fondements narratifs et dramaturgiques, appris en première partie, à l’aide du séquenceur Cubase de Steinberg pour des exercices de composition de musique de film.

Prise en main de Cubase (21h - 3 jours)

• Environnement et configuration : fondamentaux de l’audio numérique, présentation de l’interface de Cubase, organisation de l’espace de travail, configuration des paramètres audio, et préparation d’une session.

• Instruments VST (VSTi) : parcours et édition des instruments de Cubase et du bundle Komplete de Native Instruments.

• Bases du MIDI et de l’audio : enregistrement et édition MIDI et audio, quantification, utilisation des fonctionnalités de contrôleurs, traitements, et automation.

• Effets et plugins VST : travail sur l’égalisation, la spatialisation, la dynamique, et l’ambiance.

• Structuration du projet et synchronisation vidéo : écoutes, analyses, vérifications, gestion de la piste vidéo et synchronisation de la musique avec les images, pré-mastering et export.

Techniques de composition et narrativité musicale (35h - 5 jours)

• Création de thèmes musicaux : pour représenter personnages, lieux, et émotions.

• Techniques de variation : adaptation des motifs musicaux en fonction de l’évolution narrative.

• Orchestration : utilisation des VST pour simuler différents styles (orchestral, électronique) et gestion des articulations.

• Mixage de base : travail de spatialisation, panorama, et égalisation pour une meilleure intégration sonore.

• Effets : création de profondeur par la reverb, le delay, et la modulation.

• Évolution de la dynamique : mise en place de contrastes pour soutenir la tension dramatique.

• Polyvalence stylistique et empathie/anempathie : adaptation à différents genres musicaux.

• Travail sur les contrastes émotionnels pour soutenir ou opposer l’effet visuel.

Finalisation de la composition et intégration audiovisuelle (14h - 2 jours)

• Ajustements de synchronisation : optimisation du timing entre musique et image.

• Mixage final : consolidation des pistes et application des effets finaux.

• Export et pré-mastering : exportation des stems et préparation pour le mastering.

• Vérification de la cohérence sonore.

• Adaptation pour différents supports de diffusion.

• Visionnage, synthèse et bilan de fin de parcours.

Durée : 70 heures, équivalent à 10 jours.

Modalités d'évaluation et bilan

Les compétences des étudiants sont évaluées à travers deux épreuves, l'une permettant de mesurer leurs connaissances théoriques, l'autre, leur capacité à les appliquer en pratique. Chaque épreuve est notée sur 10, la somme aboutissant à une note finale sur 20.

Évaluation des connaissances

Questionnaire écrit : Ce questionnaire comporte 5 questions de 2 points chacune, qui attendent des réponses développées pour évaluer la compréhension par les étudiants des concepts théoriques de la musique à l'image. Les sujets peuvent inclure les procédés narratifs et dramaturgiques, les notions fondamentales sur le son, le bruit, le silence, l’histoire de la musique de film, les questions de concordance, de complémentarité, de fonctionnalité, d'originalité, ainsi que les processus de production, couvrant l'ensemble des connaissances transmises en cours.

Cette épreuve écrite dure 1 heure.

Évaluation pratique (au choix) :

• Option 1. Composition sonore ou musicale : Création d'une bande sonore ou musicale pour une bande image, une scène ou extrait de film ou un court métrage d'une durée maximale de 5 minutes, remplaçant la bande son originelle le cas échéant. Cette épreuve évalue la capacité de l'étudiant à appliquer ses connaissances théoriques de manière créative et efficace, en utilisant tous les outils sonores à sa disposition et en intégrant le concept de complémentarité entre musique et image.

• Option 2. Analyse de film : Analyse d'une scène de film d'une durée maximale de 5 minutes sous l'angle des relations entre la musique et les images. Cette épreuve doit démontrer la capacité de l'étudiant à identifier les enjeux narratifs et dramaturgiques de la scène choisie et expliquer le rôle de la musique, ainsi que la manière dont elle est utilisée.

Présentation orale devant le jury

Que ce soit pour la composition à l'image ou l'analyse de film, l'étudiant présente son travail devant un jury. Cette présentation orale est limitée à 20 minutes, incluant la lecture de la bande audiovisuelle concernée. Le reste du temps de l'exposé est consacré aux questions du jury. Cette épreuve vise à évaluer la capacité de l'étudiant à expliquer des choix artistiques et techniques, les siens, s'il choisit l'option 1, ou ceux d'un autre, s'il choisit l'option 2. Il doit faire preuve de clarté, de cohérence, de compétences oratoires ainsi que de réactivité et d'adaptabilité aux questions du jury.

Bien que l'option 1 de l'évaluation pratique semble plutôt destinée aux profils de compositeurs et l'option 2 aux profils de réalisateurs, chaque participant choisit celle qu'il préfère.

Les deux épreuves permettent de garantir que les étudiants maîtrisent non seulement les aspects théoriques de la musique à l’image, mais aussi leur application dans des contextes réels, tout en développant des compétences transversales essentielles à leur réussite professionnelle.

Résultats attendus

A la fin de la formation, il est attendu que le stagiaire :

• connaisse et maîtrise les procédés et enjeux narratifs, dramatiques et symboliques de la musique à l’image,

• sache composer une musique à la fois fonctionnelle et autonome, originale, adéquate à un scénario et complémentaire aux images,

• maîtrise les enjeux narratifs et dramaturgiques du silence et du bruit,

• soit capable de gérer la partie sonore et musicale d’un projet de court ou de long métrage pour tout type de média (cinéma, télévision, jeux vidéo, spectacle vivant) afin d’offrir une expérience optimale aux spectateurs,

• soit en mesure de proposer des perspectives innovantes et créatives à ses compositions musicales ou aux bandes sons de ses projets audiovisuels,

• sache collaborer et comprendre le langage de son homologue, compositeur ou réalisateur,

• comprenne l’enjeu  des temp tracks et des maquettes dans les processus de production,

• ambitionne de sublimer les sens grâce à la musique et aux images.